'And Just Like That' abandona la predicación para convertirse en televisión adictiva

La segunda temporada concluye el 24 de agosto con un cameo de Samantha Jones

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"¿Sabes donde están tus hijos?" La estación de televisión neoyorquina WNYW pregunta a los padres entre su audiencia todas las noches.

Esto no es una preocupación para Charlotte York Goldenblatt (Kristin Davis) o Lisa Todd Wexley (Nicole Ari Parker), dos de los personajes principales que aparecen en la segunda temporada de “And Just Like That” (AJLT), la serie de “Sex and the City”. ”reinicio, que se transmite semanalmente en Max hasta el 24 de agosto. Sus hijos (desde niños de escuela primaria hasta adolescentes) están instalados de manera segura en un elegante campamento de verano. Mientras sus hijos están fuera, Charlotte, que en su día dirigió una galería de arte, tiene relaciones sexuales tan buenas que son como fuegos artificiales el 4 de julio con su marido Harry (Evan Handler), un abogado de divorcios de gran éxito.

Lisa, una distinguida realizadora de documentales, y su marido Herbert (Christopher Jackson), un rico banquero de inversiones que está pensando en postularse para contralor de la ciudad de Nueva York, se dedican a su trabajo. Y disfrutar del raro placer de tomar una copa en un bar elegante solos (sin niños).

Mientras tanto, la abogada corporativa (convertida en derechos humanos) Miranda Hobbes (Cynthia Nixon) sabe muy bien dónde está su hijo Brady (Niall Cunningham). Vive con Steve (David Eigenberg), su padre, en su casa de Brooklyn. La relación de Miranda con Che Díaz (Sara Ramírez), un comediante irlandés, mexicano, bisexual y no binario que está haciendo un piloto de comedia televisiva con Tony Danza (interpretándose a sí mismo), ha llevado a Miranda, Steve y Brady a terapia.

Carrie Bradshaw, escritora (Sarah Jessica Parker), Seema Patel, una atractiva agente de bienes raíces (Sarita Choudhury) y la Dra. Nya Wallace (Karen Pittman), profesora de la Facultad de Derecho de Columbia, están tan ocupadas llorando, teniendo salida. de duelo, sexo y duelo, bolsos Birken robados que no tendrían tiempo para los niños. Nya se está divorciando de su marido, el músico Andre Rashad (LeRoy McClain), después de muchos años de matrimonio porque él quiere tener hijos y ella no.

¡Sí! Es verano en la ciudad, “Y así”, ¡las fabulosas damas han vuelto! Con menos chisporroteo que en “Sex and the City”, pero aún así es divertido de ver. No importa cuánto se esfuercen los escritores, ninguna cantidad de personajes adicionales podría compensar la ausencia de Samantha Jones, la absolutamente fabulosa experta en relaciones públicas, que fue una parte integral de “Sex and the City”. Incluso la talentosa Samantha Irby, productora bisexual y escritora de AJLT, no pudo crear un personaje tan cautivador como Samantha, quien está programada para hacer un cameo en el episodio final.

Pero la segunda temporada de “And Just Like That” tiene su dosis de estilo y jugo. ¿Cómo resistirse a una serie que, en los siete episodios que se han emitido hasta la fecha, nos ha regalado una gala del Met (ficticia) y una “puta cum”?

La primera temporada de AJLT dedicó mucho tiempo a intentar hacer que “Sex and the City” (SATC) fuera más diverso.

Tuvo éxito en muchos sentidos. Che, Seema, Lisa y Nya, los nuevos personajes de color destacados, tienen historias intrigantes. Tienen buena química con los personajes originales de SATC. Sin embargo, a veces se sentía duro y triste.

La temporada actual del programa, en su mayor parte, prescinde de la exposición y la predicación de la temporada 1. En esta temporada, el sexo y la moda glamorosa están de regreso en la ciudad.

El episodio de "AJLT", cuando Charlotte se convierte en la entrenadora de Kegel de Harry para ayudarlo con sus "bolas de polvo" cuando no puede eyacular y Carrie habla de "Casper, el semen amistoso", es casi tan bueno como el "funky spunk" de SATC. episodio.

Las mujeres de AJLT son fabulosas. Pero uno de los personajes más divertidos es Anthony Marantino (Mario Cantone), que dirige la panadería Hot Fellas. En una escena hilarante, recurre a su mejor amiga Charlotte cuando necesita desesperadamente encontrar un chico atractivo para aparecer con él en el programa de entrevistas de Drew Barrymore. Al ser AJLT, Charlotte encuentra instantáneamente a un poeta italiano atractivo que cumple con creces los requisitos. Vestido con su uniforme de Hot Fellas, el “paquete” del poeta es tan genial que mirarlo hace sudar a Barrymore.

En otra escena, Lisa, con un vestido (diseñado por Valentino) con una cola enorme que no cabe en un taxi, tiene que caminar 10 cuadras hasta la Met Gala. "No es una locura", le dice a Herbert, que sostiene su cola, "es Valentino".

“Y así de simple” no es televisión de prestigio. Es más importante: es entretenimiento adictivo.

Críticos LGBTQ anuncian los ganadores de los premios Dorian TV Awards

Billy Eichner listo para hacer historia cinematográfica

'Y así de fácil', finaliza la primera temporada

'And Just Like That' es torpe, pero promete

Wanda Sykes y Jennifer Coolidge entre las homenajeadas

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No reciben tanta fanfarria como los Emmy, pero los Dorian TV Awards, presentados anualmente por GALECA: la Sociedad de Críticos de Entretenimiento LGBTQ, han estado ofreciendo una importante perspectiva queer sobre lo mejor de la televisión del año durante una década y media. , y acaban de elegir su última ronda de campeones.

El 26 de junio, GALECA anunció una lista de ganadores de la 15ª edición de los premios Dorian TV Awards que representaron una mezcla uniforme de éxitos de alto perfil y gemas que pasan desapercibidas. La última temporada de HBO de “Succession” fue la ganadora, llevándose el premio al Mejor Drama, mientras que la estrella de la serie Sarah Snook ganó el premio a la Mejor Actuación Dramática. “Abbott Elementary” de ABC, el ampliamente elogiado falso documental de la estrella Quinta Brunson sobre un grupo de maestros idealistas de una escuela de Filadelfia, se llevó el premio a la Mejor Serie de Comedia.

Quizás menos en línea con las prioridades dominantes de Hollywood, muchos otros premios fueron para una variedad de figuras destacadas poco vistas. El audaz programa de bromas de Amazon Freevee, “Jury Duty”, fue nombrado Mejor Reality Show, con la absurdamente sarcástica sátira del mundo del espectáculo de Max (y lamentablemente, ahora cancelada) “The Other Two” ganando como Mejor Programa de TV LGBTQ y las comedias de HBO “Somebody, Somewhere” y “ Los Espookys” se llevaron el premio a Mejor Programa de TV No Cantado y Mejor Programa en Idioma No Inglés, respectivamente. La cinematográfica "Fire Island" del director Andrew Ahn, la inteligente versión queer de Hulu de "Orgullo y prejuicio" de Jane Austen, escrita por la estrella Joel Kim Booster, obtuvo el premio a Mejor Película para Televisión o Miniserie.

Los votantes de GALECA parecían favorecer a las mujeres secas pero ingeniosas en la mayoría de las categorías de actuación; Bridget Everett de “Somebody, Somewhere” recibió el premio a la Mejor Protagonista de Comedia, Jennifer Coolidge a la Mejor interpretación de Drama de Reparto por su icónico viaje de regreso a “The White Lotus” y Ayo Edebiri de FX en la comedia de restaurante de Hulu “The Bear” al Mejor Reparto. Actuación de comedia. La tendencia se extendió al premio a la Mejor Interpretación Musical de Televisión, que fue para Ariana DeBose por su bien intencionado pero controvertido tributo de rap a Angela Bassett y otros nominados en los Premios de Cine BAFTA del pasado mes de marzo.

Otros triunfos notables: la serie de Showtime “ZIWE” del satírico Ziwe Fumudoh (también cancelada recientemente), una mezcla de comentarios, sketches y entrevistas de actualidad, recibió el Dorian al Mejor Programa de Actualidad, su tercer triunfo en la categoría; La serie de superhéroes femeninas de HBO Max, “Harley Quinn”, fue nombrada Mejor Programa Animado.

El terror también fue un tema recurrente, con el documental de Shudder “Queer for Fear: The History of Queer Horror” (del cerebro de la televisión Bryan Fuller) llevándose los Dorianos a Mejor Documental de TV y Mejor Documental LGBTQ, y la serie limitada apocalíptica de HBO “The Last of Nosotros” impresionando a los votantes de GALECA como el programa de televisión visualmente más impactante del año.

Segunda temporada de la parodia musical de Apple TV+ “Schmigadoon!” fue nombrado programa de televisión Campiest, un premio exclusivo de los Dorianos, aunque eso es evidente.

En otros honores, la membresía de GALECA le dio a Coolidge otra victoria al nombrarla Icono de TV del Año, un premio cuyos ganadores anteriores incluyen a Christine Baranski y Cassandra Peterson (también conocida como Elvira). Elliot Page, cuyo personaje de superhéroe Viktor Hargreeves se declaró trans en la más reciente entrega de “The Umbrella Academy” de Netflix, fue nombrado Pionero TV LGBTQIA+ del año, un premio otorgado a figuras del entretenimiento que crean “arte que inspira empatía, verdad y equidad." Se une a las filas de los ex ganadores Michaela Jaé Rodríguez y Jerrod Carmichael.

El Premio Wilde Wit, designado por GALECA para “un actor, escritor o comentarista cuyas observaciones desafían y divierten”, fue para Wanda Sykes, la venerable comediante cuyo año incluyó papeles memorables en “The Other Two”, “History of the World: Part II” y “The Upshaws” de Netflix, además de prestar su voz a un personaje en “Velma” de HBO Max. Después de todo eso, triunfó con un especial de comedia de Netflix: “Wanda Sykes: I'm an Entertainer”, que presenta sus ataques a todos, desde Kyrsten Sinema hasta los conservadores del MAGA temerosos de la teoría crítica de la raza.

Vale la pena señalar que de las 18 categorías de programación, HBO (y Max) ganaron nueve, con Hulu (incluido FX en Hulu) y Shudder consiguiendo dos cada uno, una clara victoria para las plataformas de streaming sobre las cadenas de televisión tradicionales.

Para aquellos que no están familiarizados con los Dorianos, además de sus premios de televisión, GALECA (fundado originalmente en 2009) también honra lo mejor del cine y, a partir de este año, los teatros de Broadway y Off-Broadway. Brindan reconocimiento a la excelencia en estos tres campos en distintas épocas del año, elegidos entre contenido convencional y queer+ por igual por un cuerpo de votantes de más de 480 críticos y periodistas activos. A través de los Dorianos, el grupo se esfuerza por “recordar a los matones, fanáticos y a las comunidades LGBTQ actualmente asediadas de la sociedad que el mundo ha apreciado desde hace mucho tiempo el ojo Q+ en todo el entretenimiento, no solo en el cabello y la ropa”. La organización también aboga por mejores salarios, acceso y respeto para sus miembros, especialmente aquellos en sus segmentos menos representados, y patrocina Crimson Honors, un concurso de crítica de universidades públicas para mujeres o estudiantes no binarios en el arcoíris QTBIPOC que otorga fondos de becas proporcionados por películas. y el agregado de reseñas televisivas Rotten Tomatoes.

Los fanáticos del entretenimiento y los medios pueden obtener más información y apoyar a los miembros y las causas de GALECA siguiendo a @dorianawards en Twitter, Facebook e Instagram y, por supuesto, visitando GALECA.org.

Un documental de PBS cuenta la historia LGBTQ que ha sido invisible durante mucho tiempo

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En las décadas de 1950 y 1960, podías perder tu trabajo, ser despreciado por tus vecinos, arrestado y/o institucionalizado, si eras abiertamente trans o travestis en público.

Sin embargo, durante esta época draconiana y anti-queer, una red clandestina de mujeres transgénero y hombres travestis encontró un refugio seguro en una casa modesta en Catskills en Nueva York. Durante unos días pudieron vivir en esta casa, conocida como Casa Susanna. Allí podrían cumplir sus sueños y descubrir su verdadero yo. En un raro respiro de su escondite, pudieron conocer a otras personas como ellos; y vivir y vestirse como mujeres.

“Casa Susanna”, un documental apasionante y conmovedor, que se emitió el 27 de junio en “American Experience” de PBS, ofrece una mirada reveladora a esta red clandestina. El documental, dirigido por el cineasta Sebastian Lifshitz (“Wild Side”, “Little Girl) y producido por Cameo George, cuenta la historia de un capítulo de la historia LGBTQ que ha sido invisible durante mucho tiempo. “Casa Susanna” se transmitirá en las plataformas de PBS, incluidas pbs.org y la aplicación PBS, hasta el 26 de julio.

El documental utiliza un tesoro de fotografías en color de las personas que buscaron refugio en Casa Susanna, imágenes de archivo y recuerdos personales para contar su historia.

Las fotografías de la vida en Casa Susanna fueron encontradas por los coleccionistas Michael Hurst y Robert Swope en un mercadillo de Nueva York. En 2005, Hurst y Swope publicaron las fotografías en un libro titulado “Casa Susanna”.

El ícono queer Harvey Fierstein escribió una obra de teatro “Casa Valentina” inspirada en Casa Susanna. La obra se representó en Broadway en 2014.

En el documental, aprendemos cómo era la vida queer en Casa Susanna a través de cuatro personas que estuvieron allí a mediados de siglo.

Este no es un documento trepidante y lleno de acción. Pero está lejos de ser un “momento de enseñanza”. Ver “Casa Susanna” es como ver fotos de familiares perdidos hace mucho tiempo.

El ritmo lento del documental de 137 minutos es cautivador. La “Casa Susanna” ahora son sólo unos pocos edificios vacíos. Pero en su apogeo, palpitaba con queers.

En otros lugares de Catskills, se entretenían comediantes heterosexuales con cinturón de Borscht. En Casa Susanna actuaron mujeres trans y hombres travestis. No siempre como estrellas del mundo del espectáculo. A menudo se vestían como querían ser: mujeres corrientes, como amas de casa.

La historia más conmovedora es la de la nonagenaria Katherine Cummings. Al comienzo de la película, Cummings, una mujer trans, visita los antiguos edificios de la Casa Susanna. Aunque lo único que se ve son las fachadas de los edificios vacíos, reconoce el teatro donde actuaron décadas antes mujeres trans y hombres travestis. Cummings nació en Escocia en 1935 y creció en Australia. Nacida como hombre, se mudó a Toronto. De allí pasó a Casa Susanna para conocer gente como ella. Mientras vivió como hombre, se llamó Juan. Como John, se casó y tuvo tres hijos. Cummings murió en 2022. El documental está dedicado a ella.

“A la gente le encantaba estar aquí”, dice Cummings, “tenían total libertad. Una oportunidad total de ser ellos mismos”.

Otra anciana, Diana Merry-Shapiro, una mujer trans nacida en 1939, cuenta una historia interesante. Nació en un pueblo agrícola de Iowa y luego vivió en California y Nueva York. Durante su vida como hombre, Merry-Shapiro, entonces llamado David, se casó con una mujer y fue travesti. Después de que el matrimonio terminó en divorcio, se sometió a una cirugía de afirmación de género. Luego se casó con un hombre. Después de que ese matrimonio se rompió, ella trabajó como programadora en Xerox. Se casó con Carol, una mujer, en la década de 1990. La pareja vive en Nueva York.

Otra de las narradoras del documental, Betsy Wollheim, nacida en 1952, cisgénero y presidenta de Daw Books, se muestra, por momentos, refrescantemente enojada. Donald Wollheim, el escritor de ciencia ficción, era su padre. Travesti, junto con su esposa (la madre de Betsy), fueron a Casa Susanna. Esto se mantuvo en secreto hasta que la madre de Betsy estaba muriendo. Betsy revela que su padre a veces abusaba de ella. Ella cree que esto pudo deberse a que él tuvo que guardar silencio sobre su travestismo.

El cuarto narrador, Gregory Bagarozy, un hombre heterosexual y cisgénero, está personalmente conectado con Casa Susanna. La (ahora fallecida) Marie Tonell, copropietaria de Café Susanna con su cónyuge (el fallecido) Tito Arriagada, era la abuela de Bagarozy. Arriagada, primero travesti, luego vivió como una mujer trans llamada Susanna Valenti.

Si eres sensible al lenguaje, ten cuidado. A menudo, las personas que cuentan sus historias en “Casa Susanna” utilizan términos que se decían en las décadas de 1950 y 1960. Se utilizan palabras como “travesti” y “transexual”, que hoy no se usan.

Aunque algunos de los narradores del documental, más tarde, tenían relaciones entre personas del mismo sexo, a mediados de siglo, Casa Susanna no daba la bienvenida a los homosexuales. Esto es parte de la extrema homofobia de la época del Lavender Scare, dice Bagaroxy.

"Casa Susanna" es una ventana fascinante a la historia queer oculta.

Comedia independiente protagonizada por una pareja gay de toda la vida que no se soporta

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Todos conocemos al menos una pareja que parece que nunca se lleva bien. Cada vez que pasamos tiempo con ellos, sin importar la ocasión o el entorno, no pueden evitar criticarse unos a otros y triangular a todos los que los escuchan en su dinámica volátil. Podemos simpatizar con ellos, gustarnos o incluso amarlos, pero sólo podemos soportar estar cerca de ellos en pequeñas dosis.

Por eso"Ahogado"una comedia de situación independiente sobre una pareja gay de toda la vida que no se soportan y pasan prácticamente cada minuto de pantalla diciéndolo de la manera más odiosa posible, suena como una idea terrible.

Creada, escrita y producida por sus dos estrellas, Jason Stuart y Mitch Hara, es la historia de Ralph y Randy, un matrimonio de la edad de los Boomers cuyo amor de décadas parece haberse esfumado hace mucho tiempo. Aparte de ser homosexuales y judíos, no tienen mucho en común y parecen totalmente opuestos; Ralph (Stuart) es un romántico necesitado que todavía se aferra a su fantasía de un matrimonio feliz para siempre, mientras que Randy (Hara) es un tramposo en serie vanidoso y superficial que aprovecha cualquier oportunidad para escupir veneno a su nebbish-y cónyuge. . Llamar disfuncional a su relación sería decirlo a la ligera; por un lado, pelear entre ellos también los excita, lo que conduce a algunos momentos graciosamente incómodos, pero incluso si no lo fuera, seguirían siendo insoportables. ¿Por qué alguien querría ver un programa que esencialmente no consiste más que en estos dos disparándose el uno al otro?

Esa no es una pregunta hipotética, porque la gente quiere verla; de hecho, lo suficiente como para que después de convertirse en un éxito aclamado en Amazon Prime en 2020 (debido en parte, sin duda, a la necesidad impulsada por la pandemia de un flujo constante de fácilmente -contenido de entretenimiento en el hogar accesible), la comedia estilo bricolaje de Stuart y Hara, de escaso presupuesto, no solo obtuvo luz verde para una segunda temporada, sino que llevó a cabo una exitosa campaña de GoFundMe para ofrecerla. Llega este mes a Amazon Prime, Revry y todos los principales servicios de transmisión, con valores de producción más ingeniosos y un elenco ampliado que incluye estrellas invitadas reconocibles.

Entonces, ¿cómo pasó esto? Una razón, sin duda, es que la estructura breve del programa (la mayoría de los episodios duran aproximadamente de 4 a 10 minutos) permite al público consumirlo en porciones pequeñas y alejarse entre segmentos si es necesario. La segunda razón, sin embargo, es que es tremendamente divertido, lo que hace que esos pequeños descansos no sólo sean innecesarios, sino también improbables.

En la primera temporada, “Smothered” estableció un formato en el que sus dos protagonistas antirrománticos pasaban cada episodio discutiendo sus diferencias frente a un desfile de terapeutas en constante cambio, ninguno de los cuales puede durar más de una sesión con ellos. . Fue una presunción efectista pero inteligente que permitió contar la historia de la pareja a través de sus propios filtros y al mismo tiempo proporcionó una gran plataforma para Stuart y Hara, cuyo elaborado combate verbal fluye como un río de joyas brillantes pero irregulares. Ralph y Randy están firmemente establecidos como odiosos desde el comienzo del episodio 1, y proceden a mostrarnos cuán exagerado es su odio hasta que los amamos por ello a pesar de nosotros mismos.

Con la segunda temporada, y un presupuesto ampliado, el programa se libera de sus límites autoimpuestos para convertirse menos en un ejercicio de comedia de improvisación con “variaciones sobre un tema” y parecerse más a una comedia de situación tradicional. Continuando donde lo dejó la temporada anterior, Ralph y Randy finalmente deciden divorciarse, pero después de una catástrofe financiera y un posterior roce con la ley, no pueden permitírselo; Además, para calificar como residentes en una nueva instalación de vivienda subsidiada para personas mayores LGBTQ, deben ser pareja, por lo que se ven obligados a seguir viviendo juntos. Todavía hay algunos terapeutas (o, en algunos casos, terapeutas sustitutos) en la mezcla, pero esta vez podemos ver las interacciones de la pareja con otros personajes y experimentar su vida juntos de primera mano en lugar de solo a través de resúmenes maliciosos y divertidos. con el que obsequiarían a sus consejeros de pareja en la primera temporada.

Es un movimiento positivo, que permite que el espectáculo se amplíe y evite los peligros de apegarse a una fórmula con posibilidades atractivas pero finitas. También permite que los personajes se dibujen más completamente; Siguen siendo igual de horribles, pero de alguna manera, al experimentar cosas con ellos en lugar de solo como un aluvión de comentarios cómicos, se vuelven más humanos para nosotros, más identificables. Las cosas que vimos en ellos y que nos recordaron a nosotros mismos fueron parte de por qué nos reímos de ellos en la primera temporada, pero ahora son las cosas que nos ayudan a que nos empiecen a gustar un poco, y tal vez incluso – ¿puede ser así? – animarlos a superarse y reavivar el amor mutuo que obviamente todavía arde dentro de ellos.

Otro beneficio de abrir el formato del programa es la libertad de agregar personajes que pueden quedarse y convertirse en parte de la historia, como la lesbiana súper butch gerente de su nuevo centro de alojamiento (la veterana queer de la televisión pionera Amanda Bearse en una hilarantemente irónica -actuación descarada) o el guapo chef latino (Bryan Quiros) cuyo interponerse entre ellos podría ser lo que los vuelva a unir nuevamente. La mayor ventaja, sin embargo, es la oportunidad que les brinda a Stuart y Hara de profundizar en sus personajes, de dejar de lado su ferocidad cómica (en cualquier caso, lo suficiente) y simplemente ser reales, de vez en cuando. Hace una gran diferencia, porque si bien la primera temporada fue un buen momento sólido, divertido y deliciosamente sarcástico que valió la pena disfrutar de una noche o dos, la segunda temporada ha evolucionado lo suficiente como para permitirnos ver, un poco más claramente, que también tiene un corazón. . Teniendo en cuenta que muchas audiencias todavía suelen ignorar las narrativas breves por su presunta insustancialidad, no es poca cosa cuando se demuestra que tales prejuicios son infundados.

Pero no queremos asustarte. Con corazón o no, también sigue siendo un ataque rápido y furioso de maldad y mal comportamiento que te hará encogerte y reír al mismo tiempo. Del mismo modo, si bien destaca la diversidad y la inclusión entre su elenco ampliado, también se deleita en traspasar flagrantemente la línea hacia territorio “políticamente incorrecto”, atravesando la hipersensibilidad contemporánea con el tipo de humor generacional irreverente (confusión sobre pronombres, ¿alguien?) y un estereotipo cursi que podría irritar a los espectadores demasiado jóvenes para recordar los días en que tales florituras cómicas transgresoras eran una de nuestras mejores armas contra la conformidad estricta de la corriente principal heterocéntrica.

En cualquier caso, "Smothered" parece no preocuparse por ofender a las personas (de hecho, casi parece deleitarse en hacerlo) y nunca permite que ningún tipo de "agenda" desvíe la atención del absurdamente cruel drama de amor/odio que se desarrolla en la serie. medio de todo. Con la química divertida de Stuart y Hara, su escritura aguda y su actuación finamente afinada cargando la mayor parte del peso, esa es razón más que suficiente para deshacerse de cualquier idea preconcebida que pueda tener y darse un chapuzón en la piscina de la “forma corta”. En este caso, el agua está bien.

Una nueva y refrescante incorporación a un género que nunca recibe suficiente amor.

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Las historias de amor nunca están fuera de temporada, pero si hay algún momento en el que se sienten más bienvenidas que de costumbre, es al comienzo de la primavera.

No estamos hablando aquí de cualquier historia de amor, sino del tipo de historias románticas cursis y agradables de las que la mayoría de nosotros nos burlamos pero que en secreto soñamos con vivir por nosotros mismos. Quizás no sea sorprendente que las mismas personas que disfrutan de ese subgénero a menudo difamado también tiendan a aficionarse a los musicales, y si eso te suena familiar, especialmente si eres un Millennial nostálgico o un miembro mayor de la Generación Z con afición por los clásicos de Disney de los años 80 y 90, entonces felicidades: eres el público objetivo de “Up Here”, la nueva serie de Hulu sobre el amor joven en la cúspide del año 2000.

Un romance musical ambientado en los últimos días de la ciudad de Nueva York de 1999, sigue a Lindsay (Mae Whitman) y Miguel (Carlos Valdés), dos inadaptados que persiguen sus sueños de éxito, se enamoran y descubren que cuando se trata de encontrar la felicidad juntos, su mayor obstáculo podrían ser ellos mismos, o al menos los recuerdos personificados que viven dentro de sus cabezas, dando voz elaboradamente orquestada e impecablemente arreglada al traicionero mundo de vergüenzas, obsesiones, miedos y fantasías que influyen en su comportamiento y sus elecciones.

No es exactamente un concepto nuevo. Desde “Herman's Head” hasta “Inside Out” y otras innumerables versiones intermedias, la idea eminentemente identificable de un “comité” dentro de nuestras mentes (a menudo compuesto por personas cuya presencia en nuestro pasado dejó una huella significativa) que comenta e intenta Influir en cada detalle de nuestras vidas ha proporcionado mucho combustible para el entretenimiento en pantalla. Puede que sea un tropo, pero ya sea para reír o para una contemplación seria (casi siempre es una mezcla de ambos, aunque la proporción puede variar ampliamente), estas historias siempre nos dan que pensar.

“Up Here” no es una excepción, pero perfecciona y apunta a su atractivo al ofrecer esa comida con un lado lleno de metacomentarios musicales. Desarrollado y adaptado por Steven Levenson con el equipo de compositores casado Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez, está basado en un musical de 2015 de este último: una pareja casada responsable, ya sea en conjunto o individualmente con otros socios escritores, de componer las canciones de “Avenue Q ”, “Frozen” y “Coco”, junto con varios otros entretenimientos musicales de gran éxito de la última década. Combinado con la trayectoria de Levenson (quien escribió el libro de “Dear Evan Hanson” de Broadway y el guión de “Tick, Tick… ​​Boom!” de 2021) y el coproductor ejecutivo Thomas Kail (director de “Hamilton” filmada en 2020 y showrunner para la aclamada bioserie de FX “Fosse/Verdon), la habilidad de López para las canciones alegres, conmovedoras y contagiosamente inteligentes con inflexión pop le da al programa una promesa más que suficiente para garantizar que cualquier fan musical serio esté a bordo para al menos darlo. una oportunidad.

Cuando lo hagan, probablemente quedarán enganchados desde el principio por un tono peculiar e irónico que de alguna manera logra lograr un equilibrio sostenible entre la parodia consciente de sí mismos y la exploración sincera de una forma de arte que, francamente, termina siendo el blanco de muchas bromas de aquellos inmunes a sus encantos estilizados. Los fanáticos de la música saben de lo que estamos hablando y sentimos su dolor, pero no podemos evitar apreciar también la visión más cínica del mundo que a menudo hace que el género parezca más una pablum para sentirse bien que una expresión artística seria. Aún así, independientemente del gusto personal de cada uno por los musicales, es difícil no respetar un enfoque que reconoce el absurdo inherente del formato y al mismo tiempo se compromete sin disculpas a honrar el romanticismo optimista que lo hace tan irresistible para una legión de aficionados acérrimos (muchos de los cuales, a riesgo de perpetuar un estereotipo, resultan ser queer, una perspectiva adicional que seguramente ayudará a que la historia del romance entre dos clavijas cuadradas en un mundo lleno de agujeros redondos aterrice aún más cerca de casa para un porcentaje sustancial de su audiencia de visualización.

También es difícil no dejarse conquistar por los artistas, quienes parecen aprovechar con alegría (y con razón) la oportunidad de mostrar todas sus habilidades de triple amenaza en pantalla, sin mencionar la oportunidad de cantar material del dos veces ganador del Oscar. equipo ganador López. Whitman, una ex actriz infantil y locutora que hizo una transición exitosa a papeles de “adulta” (sobre todo junto a Christina Hendricks y Retta en la oscura comedia criminal televisiva “Bad Girls”) y se declaró pansexual en 2021, convierte su atractivo poco convencional en en un presentador del desenfreno a veces lejano del programa; Ella se gana nuestros corazones al final de su primera escena, y a partir de ahí se vuelve más entrañable. Valdés es un perfecto contraataque a su poco convencional energía de desvalido, el “Rey León” de su “Sirenita”, un buen chico sensible y digno de desmayarse disfrazado que no puede evitar llevar el corazón en la manga incluso cuando intenta pasar desapercibido. con los imbéciles hermanos de las finanzas en su lugar de trabajo. Katie Finneran, John Hodgman, Andréa Burns, Scott Porter, Sophia Hammons y Emilia Suárez componen el conjunto de voces dentro de las cabezas de los amantes, cada uno de ellos encarnando a personas reales con sus propias historias, lo que les brinda a todos un momento destacado ocasional y permite muchos matices sutiles en sus actuaciones, ya que sirven como un coro literal para la “drama” en cuestión.

En cuanto al material en sí, “Up Here” cuenta con una estética extremadamente pulida y marcadamente cinematográfica que contribuye en gran medida a suavizar cualquier resistencia a sus conceptos musicales y a compensar una partitura que, si bien es sólida y adecuada para el propósito, es en gran medida desprovisto del tipo de "gusanos" destacados que normalmente obtienen grandes puntos para los fanáticos de la música. A veces recuerda a una parodia ridícula como “Schmigadoon”, en otras es más un homenaje reverente a los musicales cinematográficos del Hollywood clásico, y en otras se acerca al antiromanticismo sublimemente deconstruido de las obras maestras de los años 60 del autor francés Jacques Demy, beneficia de una negativa a recurrir a su potencial de valor de campo (aunque en ocasiones se inclina fuertemente en esa dirección, a propósito) al mantenernos emocionalmente involucrados en sus dos atractivos atractivos. También se asegura de mantener un equilibrio saludable entre la fantasía musical y la realidad cotidiana, limitando los números de producción grandes y llamativos a 2 o 3 por episodio de 30 minutos.

Probablemente el aspecto más intrigante de la serie, sin embargo, es su estructura narrativa, en la que nos muestra cosas a través de la experiencia de uno de sus personajes -incluidos sus diálogos internos con sus respectivos críticos y comentaristas mentales- y luego los reproduce desde la perspectiva de otro. Una vez más, no es un concepto innovador, pero constituye un musical que tiene el espacio para ir más allá de lo que la preconcepción no del todo precisa del género como una “pelusa” insustancial podría considerar posible.

¿Es eso suficiente para que resulte atractivo para la gente a la que no le gustan los musicales? Sería tentador decir que sí, pero no se puede negar que “Up There” es un programa diseñado para cierto tipo de público. Si eso NO le suena familiar, probablemente sea mejor que se lo salte. Para el resto de nosotros, sin embargo, es una nueva incorporación refrescante y sorprendentemente estimulante a un género que, por nuestro dinero, nunca puede recibir suficiente amor.

Camp Brave Trails es un campamento de verano con sede en Los Ángeles que crea un espacio seguro para que los jóvenes LGBTQ fomenten habilidades de liderazgo y celebren su individualidad.

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BURBANK – En el programa del viernes, los fundadores de un campamento para jóvenes LGBTQ+ se unen a Kelly para hablar sobre el campamento y su visión. Camp Brave Trails es un campamento de verano con sede en Los Ángeles que crea un espacio seguro para que los jóvenes LGBTQ fomenten habilidades de liderazgo y celebren su individualidad.

Las cofundadoras y socias Jessica y Kayla comparten cómo el campamento se centra en talleres de liderazgo y programas de salud mental, al tiempo que ofrece todas las actividades tradicionales del campamento que cabría esperar.

También aparecen Camper Ben y su madre Kathleen comparten cómo el campamento ayudó a Ben a encontrar su confianza y pasión por el diseño de moda después de perder a su padre a causa de COVID en 2021.

"Es un gran alivio estar aquí y estar orgulloso y decir que soy gay y que no tiene nada de malo: mi nieto, él es mi apoyo".

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NASHVILLE – Originario del municipio de Goshen en el condado de Clermont, Ohio, la canción de audición de American Idol de Jon Wayne Hatfield, de 21 años, está dedicada a Ray, su abuelo y mejor amigo, quien recientemente se declaró gay.

La canción, “Tell Me Ray”, ayudó a Ray a creer más en sí mismo y a deshacerse de las inseguridades de toda la vida: “Es un gran alivio estar aquí y estar orgulloso y decir que soy gay y que no tiene nada de malo”, dice Ray. "Mi nieto, él es mi roca".

El abuelo Ray se sienta en el banco del piano durante la conmovedora audición de Jon Wayne Hatfield, que recibe una gran ovación de los tres jueces de Idol, la superestrella del country Luke Bryan, la estrella del pop Katy Perry y la superestrella del pop del R&B Lionel Richie.

Alexandra Billings sobre la creciente representación en Hollywood

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Alexandra Billings ha sido una artista trans pionera en varias ocasiones, pero nos dice que su papel recurrente como la inspectora Ainsley Lowbeer en “The Peripheral” (la adaptación en serie de Amazon Prime del libro homónimo de William Gibson de 2014) es una novedad más personal para su.

“¡Me encanta la ciencia ficción! ¡Este es realmente mi bolso y nunca antes había hecho algo así!

Creado por Scott B. Smith, quien fue coproductor ejecutivo del programa junto con los creadores de “Westworld” Jonathan Nolan y Lisa Joy, el programa es un thriller de misterio ambientado no solo en un futuro sino en dos. Más allá de la distópica deprimentemente profética habitada por la protagonista Flynne Fisher (Chloë Grace Moretz) se encuentra otra, en la que los restos supervivientes de la humanidad emplean tecnología informática avanzada para retroceder y alterar el pasado. Hay mucho en juego (hay un apocalipsis involucrado) y una complicada guerra secreta al estilo "Black Ops" entre facciones que luchan por el control los hace aún más importantes. Incluso para alguien que no busca estas cosas, es imposible pasar por alto la comparación alegórica con nuestro propio mundo; pero claro, la ciencia ficción, bien hecha, siempre ha sido un género primordial para hacer comentarios sociales, culturales y políticos, y el autor Gibson, a quien se le atribuye ampliamente la creación de todo el subgénero “cyber-punk”, sabe cómo hacerlo bien.

Billings habló recientemente con Blade sobre el programa, entre otras cosas. Nuestra conversación está a continuación:

CUCHILLA : Es reconfortante verte en algo como esto. No estamos acostumbrados a ver una representación tan fuerte en este tipo de historias.

ALEXANDRA BILLINGS : Por lo general, si los personajes trans aparecían en la ciencia ficción en el pasado, estábamos conectados: eran personajes cisgénero que interpretaban personas trans y luego se volvían trans. Pero Lowbeer está escrita como una mujer trans. Eso fue extraordinario y fue emocionante para mí.

CUCHILLA: Ella tiene una presencia muy fuerte.

FACTURACIONES : Ella es una especie de guía y también tiene un gran poder, no un poder místico ni mágico, sino intelectual. Y esa es una de las cosas maravillosas de este programa que quiero enfatizar: está muy centrado en las mujeres, muy femenino. Se aborda la identidad de género, hay mujeres de color que tienen un gran poder y una gran fuerza e intelecto. Son mujeres inteligentes, ingeniosas, competentes y capaces. Ninguna mujer depende de ningún otro poder excepto el suyo propio para poder sobrevivir en el mundo de esta historia, y creo que eso también importa.

CUCHILLA: ¿Alguna vez imaginaste que interpretarías un papel como este en un proyecto convencional de Hollywood?

FACTURACIONES : Oh no, Dios, no. Cuando llegué por primera vez a Hollywood, éramos cinco, básicamente, Candis, Laverne, Trace Lisette y yo, y un par de personas más, y eso fue todo. Cada vez que había una audición para una persona trans, que generalmente era uno de nosotros en el hospital, o yendo al hospital, o preparándose para ir al hospital, o algo que tuviera que ver con el hospital, siempre encontrarse. Finalmente formamos un pequeño club de brunch y pensamos: 'Reunámonos después de la próxima audición y salgamos'. También podríamos tener comida.

En aquel entonces, simplemente no existía el concepto de la experiencia transgénero, porque las personas trans no escribían ninguno de estos programas. No puedes permitir que alguien que nunca ha pasado por una experiencia vivida pretenda que ha vivido esa experiencia, no tiene ningún sentido. Ahora, con más escritores trans, más productores y showrunners trans en Hollywood, las cosas están empezando a cambiar. Pero esto fue un shock. Me sorprendí cuando escuché sobre este personaje y realmente me sorprendí cuando leí el guión. Realmente es brillante.

CUCHILLA : Ese es sólo un aspecto del programa que parece innovador. ¿No crees que todo el concepto de un mundo futuro que influye en nuestro presente realmente toca la fibra sensible del surgimiento de una generación más joven que está preparada y lista para tomar el volante?

FACTURACIONES : Creo que lo que hace este programa es arrojar luz. Es un reflejo de una experiencia humana que está sucediendo políticamente, globalmente, que es la toma de control de la rectitud, de nuestra idea de qué es útil para la comunidad y qué no.

Tenemos todo un cambio que está ocurriendo en Estados Unidos en este momento, en el que una generación más joven –la Generación Z– dice: 'No me gusta la forma en que gran parte del país habla sobre el empoderamiento femenino, no me gusta lo que Lo que has hecho para quitarle autonomía a los cuerpos o las elecciones femeninas, no me gusta la forma en que hablas de género. Hay un montón de cosas que no me gustan, así que te quiero fuera”. Es por eso que ocurrió esta 'ola azul': gracias a ellos. Hubo todo este movimiento conservador antes de las elecciones intermedias que se suponía que tomaría el poder, pero simplemente fracasó y murió. Creo que esto es sólo la punta del iceberg.

CUCHILLA : Esperemos que tengas razón. Hay una reacción tan desalentadora en algunos sectores de nuestro país por los derechos de los homosexuales en general. Todavía tenemos que luchar para preservar la igualdad en el matrimonio.

FACTURACIONES : Tenemos a todo este grupo de personas hablando sobre el 'matrimonio tradicional'. Eso no significa nada. Quiero decirles: 'No existe nada dentro de ese contenedor. ¿Hasta dónde quieren retroceder cuando dicen 'tradicional'? ¿Todavía quieren poder votar? Deja de ser idiota.'

CUCHILLA: Como alguien en el frente de batalla, ¿qué le gustaría ver para el futuro de la representación trans?

FACTURACIONES : Necesitamos comenzar a tener conversaciones que estén tan normalizadas sobre la experiencia transgénero que ya no hablemos de la experiencia transgénero. Necesitamos tener una sobreabundancia de historias trans y no binarias, de escritores, productores, directores, creadores e innovadores trans y no binarios, que cuenten sus propias historias; tantas que el patriarcado cis-blanco-heteronormativo finalmente deba hacerse a un lado. . Eso es lo que tiene que suceder.

CUCHILLA: Eso parece difícil de convencer a la gente que todavía mantiene las riendas del poder.

FACTURACIONES : Cuando digo cosas así, todo Hollywood respira profundamente. Creen que es imposible. No pueden concebir que eso sea cierto porque piensan: '¿Qué pasa con MIS historias? ¿Qué hay de mí?' Como si faltaran.

Mire a Candace Cameron, quien renunció a Hallmark y simplemente salió y dijo: "Voy a honrar el matrimonio tradicional en mi nuevo canal, y esas son las historias que voy a contar". Lo que ella está diciendo es: 'Estas dos personas cisgénero heteronormativas son la norma, eso es alrededor de lo que vamos a trazar un círculo'. Esas son las únicas personas que van a estar representadas, eso es lo que le decimos a cada joven queer del planeta que es lo que debe estar". ¿Ese es el mensaje? ¿Entonces todos los demás deben hacerse a un lado? Eso no te convierte en un pionero, te convierte en un cobarde.

CUCHILLA: Hay otra “palabra con C” que me viene a la mente.

FACTURACIONES: (Riéndose) Eso también.

Puedes ver “El Periférico” en Amazon Prime.

Antología presenta papás de cuero, divas, baños y asesinatos espantosos en 1981.

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Es difícil creer que “American Horror Story” tenga ya más de una década y, sin embargo, al mismo tiempo, parece como si hubiera estado en el aire desde siempre.

Podría decirse que es el logro característico del magnate del entretenimiento gay Ryan Murphy, quien ha estado detrás de algunas de las programaciones más aclamadas, controvertidas y cursis de nuestra era contemporánea, es un programa que ha cumplido esos tres descriptores (a menudo al mismo tiempo) y al mismo tiempo ofrece Una legión de fanáticos acérrimos regresa por más cada temporada. Eso no es algo fácil de lograr, pero el gigante “AHS” de Murphy ha logrado mantenerse durante 11 años gracias a su formato de antología.

También ha sido, desde sus inicios, uno de los programas más extraños de la televisión.

Esto podría ser obvio, considerando que Murphy generalmente incluye múltiples historias queer en cada temporada y emplea una gran cantidad de actores queer, sin mencionar el mantenimiento de una sensibilidad descaradamente queer en la estética del programa y la incorporación ocasional de una diva icónica. Solo lo mencionamos aquí porque para su última entrega, que se estrenó con dos episodios en FX la semana pasada (justo a tiempo para Halloween), “American Horror Story” se ha vuelto “más gay” que nunca.

Titulado simplemente “NYC”, tiene como telón de fondo la Nueva York de 1981 y se centra directamente en la próspera comunidad gay de la ciudad. Como ya sabe cualquiera que tenga incluso un conocimiento básico de la historia de la cultura queer, es un momento y un lugar embriagadores para un hombre gay, pero también es un momento y un lugar en la cúspide de una devastación que pronto descenderá.

Para la mayoría de los personajes del programa, sin embargo, el SIDA no es ni siquiera un punto en el horizonte, al menos no todavía. En cambio, se enfrentan a un tipo diferente de plaga: una ola de espantosos asesinatos, dirigidos a hombres homosexuales, ha dejado una creciente pila de cuerpos desmembrados a su paso y, para empeorar las cosas, la policía de Nueva York no parece interesada en hacer nada al respecto. o mejor dicho, la mayoría de ellos lo hacen. Patrick (Russell Tovey), un detective de policía encerrado, ha estado presionando cautelosamente a sus superiores para que se tomen la situación más en serio, pero no ha sido suficiente para impulsarlos a actuar; Tampoco ha sido suficiente para su amante, Gino (Joe Mantello), un periodista orgulloso que ha hecho de los misteriosos asesinatos la causa número uno de su periódico, y para quien la negativa de Patrick a compartir información sobre el caso de El miedo a ser “descubierto” se ha convertido en un punto doloroso en su relación.

Sin embargo, el estancamiento puede estar a punto de ceder. Cuando un joven llamado Adam (Charlie Carver) aparece en la estación para denunciar la desaparición de su compañero de cuarto después de una noche de paseo por el Ramble, Patrick rompe el silencio en casa y le cuenta a Gino sobre el incidente, animándolo a continuar con la historia y dándole darle una pista a seguir y embarcarse en su propia investigación clandestina; Del mismo modo, Adam, decidido a encontrar a su amigo desaparecido después de que la policía desestimara sus preocupaciones, sigue una pista hasta Theo (Isaac Powell), un fotógrafo estrella en ascenso, y su novio comerciante de arte Sam (Zachary Quinto), cuyo Los oscuros secretos pueden o no estar relacionados con los asesinatos. Mientras tanto, en algún lugar del “barrio gay”, un asesino todavía acecha y el número de cadáveres sigue aumentando.

Si estás pensando que la historia, escrita por Murphy y su frecuente colaborador creativo Brad Falchuk, es una alegoría en la que la búsqueda de un asesino en serie ficticio (un tropo favorito de “AHS”) se utiliza como metáfora de la crisis del SIDA, entonces Probablemente no te equivoques. Eso no significa que el SIDA no exista en esta versión “AHS” de principios de los años 80; Una historia paralela protagonizada por la epidemióloga Dra. Hannah Wells (Billie Lourd), vislumbrada sólo brevemente hasta ahora, ha abordado el tema de la enfermedad, y parece probable que se convierta en una gran parte de cualquier final que los creadores del programa tengan en mente.

Ese final es una incógnita. “AHS” tiene fama de tirar todo contra la pared y ver qué se pega; casi todas las temporadas han salido de la puerta con una premisa provocativa y un conjunto intrigante de ideas, y mientras algunas han estado a la altura de su potencial de manera emocionante y otras han degenerado en un desastre autoindulgente (aunque la evaluación de los espectadores sobre cuál es cuál puede variar enormemente , dependiendo de a qué espectador le pregunte), incluso los mejores generalmente han permitido que al menos uno o dos hilos se desvanezcan y desaparezcan. “NYC”, en esta etapa inicial, podría tomar cualquier dirección o aterrizar en algún punto intermedio.

Es cierto que es muy prometedor. Obviamente emocionada por explorar un momento fundamental en la historia queer, la serie parece deleitarse con las vistas, los sonidos y los acontecimientos del Manhattan de principios de los 80. Hay escenas en los baños históricos, completadas con una diva cantante (Patti LuPone, por supuesto) para entretener a los chicos entre encuentros; un artista convertido en empresario (Gideon Glick) organiza una fiesta masiva en un almacén abandonado junto al muelle, donde todos los que son alguien (o alguna vez quieren serlo) se reúnen para una noche de arte, moda y música disco y drogas. diversión hedonista; un anciano queer al estilo de Quentin Crisp (Denis O'Hare) tiene la corte en un antro con poca luz, y hombres machos se involucran en frottage agresivo en el bar de cuero y levi unas calles más allá. Es el tipo de recreación de época vívida y nostálgica por la que las producciones de Murphy se han hecho famosas: detallada, colorida, inmersiva y lo suficientemente brillante como para que parezca un sueño recordado con cariño, y es uno de los placeres de ver el programa.

Al mismo tiempo, hay algo inquietante en observar esta distorsión al estilo Tarantino de una historia que toca una fibra tan profunda en la imaginación queer. Con una historia principal que parece similar a una reescritura de un crimen real de “The Normal Heart” y una galería de personajes de fondo que son claramente versiones reinventadas de figuras de la vida real como Robert Mapplethorpe, David Wojnarowicz, Klaus Nomi, Victor Hugo y más, El enfoque audaz (algunos dirían sensacionalista) de Murphy y Falchuk para fusionar la herencia LGBTQ en una narrativa de terror de la cultura pop (y que evoca el controvertido thriller de 1980 de William Friedkin, “Cruising”), podría resultar demasiado familiar para las audiencias que Vea este capítulo particular de la vida real como lo suficientemente horrible sin adornos ficticios.

Aún así, como “AHS” ha demostrado muchas veces antes, no tiene miedo de molestar a sus fanáticos, y eso no significa solo con valor gore y shock, aunque siempre hay mucho de eso. Sus horrores tienen sus raíces en nuestro espíritu social de la época, en nuestros recuerdos traumáticos y en la vasta incertidumbre de nuestra vida aquí y ahora.

“Nueva York”, que llega en un momento en que la retórica anti-LGBTQ y las ideologías homofóbicas hacen que el avance de nuestra comunidad, logrado con tanto esfuerzo, se sienta demasiado precario, no es diferente. Hasta el momento, no han surgido elementos abiertamente sobrenaturales (aunque eso puede cambiar), pero al invocar espectros que continúan persiguiéndonos, flotando en las sombras alrededor de nuestros espacios seguros hasta que puedan saltar y tomarnos desprevenidos, es una historia de fantasmas. sin embargo.

Incluso tiene el potencial de ser bueno, si Murphy y compañía pueden continuar alcanzando el listón que se han fijado con los dos primeros episodios. A juzgar por el historial de “AHS”, tienen aproximadamente las mismas posibilidades.

Hombre gay que se enamora de la enfermera de su madre muerta, mientras lucha por reconciliarse con su anciano padre... que es en secreto director porno.

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HOLLYWOOD – For Years to Come es un drama romántico irreverente sobre un hombre gay que se enamora de la enfermera de cuidados paliativos de su madre muerta, mientras lucha por reconciliarse con su anciano padre... que es en secreto un director de porno.

El nuevo piloto de televisión de media hora dirigido por Micah Stuart se estrenará en el circuito de festivales a principios de 2023. El escritor y creador James Patrick Nelson protagoniza junto al veterano del cine y la televisión Richard Riehle.

Stuart, editor, escritor y director nominado al Emmy, que reside en Los Ángeles, lanzó el tráiler el sábado antes del estreno en el circuito de festivales de cine a principios del próximo año:

Tráiler de For Years To Come de Micah Stuart en Vimeo.

El creador y actor estrella James Patrick Nelson se sentó conmigo en una entrevista en mi programa RATED LGBT RADIO hace un año para hablar sobre este proyecto y los aspectos más destacados de su carrera.

“La representación limitada alimenta la homofobia internalizada”, afirma Nelson. “¿Cómo aprenden las personas queer a apreciar los notables matices de nuestras identidades si rara vez vemos retratos auténticos y llenos de matices de nosotros mismos en la pantalla?”

Como cineasta galardonado, James se ha fijado un objetivo creativo para él y para otros en la industria con respecto a los personajes LGBTQ: deben ser “seres humanos ricamente complejos y multifacéticos, con experiencias infinitamente diversas y distintas, y merecemos serlo”. visto, por todo lo que somos”.

En el programa hablamos de esta representación objetiva y queer en el cine hasta ahora. Además, hablaremos de su proyecto más reciente, For Years to Come.

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Rob Watson es el presentador del popular programa de radio/podcast con sede en Hollywood RATED LGBT RADIO.

Es un columnista y bloguero LGBTQ establecido que ha escrito para muchas de las principales publicaciones en línea, incluidas Parents Magazine, Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, New Civil Rights Movement y más.

Se desempeñó como editor ejecutivo de The Good Man Project, apareció en MSNBC y fue citado en Business Week y la revista Forbes.

Es director ejecutivo de Watson Writes, una agencia de comunicaciones de marketing, y puede comunicarse con él en [email protected].

Programa sobre un programa abandona el cansado formato de falso documental

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El veterano de la televisión Steven Levitan ya tuvo mucho éxito como escritor, showrunner y productor antes del estreno de “Modern Family”, una serie que co-creó con Christopher Lloyd, en 2009. Ese programa resultó ser un fenómeno cultural. ayudar a redefinir y normalizar la representación de las relaciones LGBTQ en la televisión al incluir una pareja gay dentro de su conjunto de personajes centrales y al mismo tiempo convertirse en un favorito de los fanáticos desde hace mucho tiempo, ganar decenas de premios (incluidos nueve premios Emmy en horario estelar) y ser nominado a muchos más. antes de emitir su última temporada en 2020. Incluso con un currículum que incluye programas como “Wings”, “Frasier”, “The Larry Sanders Show” y “Just Shoot Me”, debe considerarse un triunfo sin precedentes en su carrera.

Ahora, Levitan está de regreso con un nuevo espectáculo,"Reiniciar,"que se estrenó en Hulu el 20 de septiembre, y desde su primera secuencia previa a los créditos señala un bienvenido regreso al mismo estilo de comedia rápida que mantuvo a “Modern Family” en la lista de vigilancia semanal de todos durante 11 años (aún inclusivo, con destacados personajes queer). personajes e historias, pero afortunadamente sin el formato de falso documental.

“Reboot” es una parodia afable e irreverente de la máquina de entretenimiento de Hollywood que presenta a la estrella de “Crazy Ex-Girlfriend” Rachel Bloom como Hannah, una escritora de televisión a quien se le da luz verde para su propuesta para una reposición de “Step Right Up”, una querida comedia de situación de principios de la década de 2000. Se las arregla para convencer al elenco original de retomar sus papeles como la “familia loca” del programa, a pesar de su complicada historia fuera de la pantalla, prometiendo adaptar el programa para una audiencia contemporánea, eliminando el humor cursi y anticuado y cambiando hacia un humor más sofisticado y realista. tono. Sin embargo, en la primera tabla leída, el plan de Hannah para una serie reinventada se topa con un obstáculo importante: la presencia inesperada del creador de la comedia original, Gordon Gelman (Paul Reiser), quien ha ejercido su influencia en la industria para insertarse en la mezcla como un showrunner y asegúrese de que las ideas "despertadas" sobre la comedia no se interpongan en el camino de las risas.

Obviamente, este escenario proporciona un campo propicio para bromas sobre los conflictos culturales que se han convertido en una realidad en 2022, principalmente en torno a las diferentes actitudes entre las generaciones mayores y más jóvenes, siempre una apuesta segura para una comedia identificable. El combate de “OK Boomer” en esencia es algo común hoy en día, pero Levitan y su equipo creativo conocen la comedia lo suficientemente bien como para hacerla sentir fresca, y su secreto es asegurarse de que los personajes sean siempre la atracción principal.

En este caso nos han dado bastantes para elegir. Además de Hannah y Gordon, cuya rivalidad por las riendas rápidamente se convierte en una de las muchas espinas en la dinámica de su relación, también tenemos a los protagonistas principales de “Step Right Up”: Reed Sterling (Keegan-Michael Key), un actor formado en Yale que abandonó la primera carrera del programa para seguir una carrera cinematográfica que nunca se materializó; Bree Marie Johnson (Judy Greer), una estrella alguna vez popular que dejó el mundo del espectáculo por un matrimonio ahora fallido con un oscuro duque escandinavo; Clay Barber (Johnny Knoxville), un comediante de “chico malo” conocido menos por su talento que por ser un desastre; y Zack Jackson (Calum Worthy), una ex estrella infantil que parece haber llegado a los 20 años sin llegar a crecer. Completando el reparto principal está Krista Marie Yu como Elaine, una joven ejecutiva de producción trasplantada de la industria tecnológica cuya incongruencia como pez fuera del agua proporciona una necesaria perspectiva externa en medio del histrionismo del mundo del espectáculo que la rodea.

También hay una gran cantidad de personajes secundarios: una sala llena de escritores, por ejemplo, que cierran hilarantemente la brecha generacional con su amor común por la comedia incluso cuando chocan por valores culturales. Dibujados a grandes rasgos, todos ellos podrían fácilmente descartarse como tropos genéricos, cifras bursátiles actualizadas para adaptarse al último espíritu cultural de la época; que parezcan seres humanos plenamente realizados en lugar de estereotipos perezosos es un testimonio de Levitan y la sala de escritores de la vida real responsable de darles vida.

También es un testimonio de los actores que los interpretan. Key y Greer tienen el mayor desafío, en muchos sentidos; sus personajes, cortados con el mismo patrón egocéntrico que tantas otras parodias de vanidosas y pretenciosas estrellas de Hollywood y claramente diseñados para ser adorablemente insoportables, en los primeros episodios parecen simplemente insoportables. A medida que avanza la temporada, afortunadamente, su habilidad como intérpretes les permite a ellos (y a sus personajes) superar los defectos y debilidades y conquistarnos. El siempre confiable Knoxville hace lo que mejor sabe hacer (presentar su propia personalidad de hombre salvaje) y ocasionalmente nos recuerda que no es un mal actor, cuando tiene la oportunidad; Worthy, un ex niño de Disney que también falsifica su propia imagen de la vida real, también inyecta sorprendentes dosis de humanidad ganadora a medida que avanza el espectáculo.

En cuanto a Bloom, esencialmente el personaje principal, aunque rodeada por un conjunto de chiflados, se mantiene firme con todo el talento gigante que usó para hacer de “Crazy Ex-Girlfriend” un éxito de culto tremendamente popular; Se le exige que sea una fuerza fundamental mientras lidia con su propio torbellino de disfunción personal y profesional, pero tiene un éxito más que suficiente para anclar el programa. Finalmente, Reiser aporta su condición de venerable leyenda de las comedias de situación para darle a su personaje de la vieja escuela una presencia adecuada, al mismo tiempo que lo hace mucho más complejo y agradable que el retroceso estilo Archie Bunker que esperamos que sea.

Con un elenco tan sólido haciendo el trabajo pesado en pantalla, “Reboot” es capaz de lanzar su red satírica lo suficientemente amplia como para burlarse de nuestra cultura que cambia rápidamente sin perder la importante conexión humana que mantiene su interminable bombardeo de frases ingeniosas, algo por lo que los shows anteriores de Levitan han sido ampliamente conocidos y admirados – de sentirse vacío. Eso no significa que la comedia alguna vez se calme; por el contrario, incluso los momentos más tiernos y significativos del programa, que a menudo nos toman por sorpresa, están salpicados de chismes. Y si bien la serie se inclina fuertemente hacia el tipo de ambiente sin complicaciones que generalmente caracteriza a las comedias de situación populares, también se permite jugar en niveles más complejos, obteniendo mucho provecho cómico de la ineludible cualidad "meta" de ser un programa sobre un programa. – por ejemplo, la serie de ficción, al igual que la real, es producida por Hulu, solo un toque descarado entre muchos que la hacen sentir más subversiva e iconoclasta de lo que tal vez sea en realidad.

Lo que podría beneficiar aún más a “Reboot” que el considerable elenco de talentos que cuenta tanto dentro como detrás de la pantalla es su formato, y no estamos hablando sólo de su elección de evitar el falso documental, una táctica magistralmente innovadora. que ahora se ha cansado por el uso excesivo, incluso en “Abbot Elementary”, favorita de los Emmy. En la nueva era del contenido en streaming, la temporada de 23 episodios parece una forma cada vez más anticuada de hacer las cosas; Con solo ocho episodios por realizar, hay muchas menos posibilidades de agotar el material (y nuestra paciencia), o de quedarnos sin ideas y socavar la integridad del programa con una escritura deficiente solo para completar las cosas.

Liberado de esa carga, “Reboot” logra ser divertido a carcajadas en cada episodio de su primera temporada. Eso por sí solo es suficiente para que podamos esperar con ansias la segunda temporada.

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